В сферу художественных изделий из металла входили храмовая скульптура и утварь, оружие и декоративные предметы, употреблявшиеся в быту, разнообразие и совершенство обработки традиционных металлов (бронза, железо, медь, сталь) сочетались с применением сложных сплавов, отличавшихся богатством цветовых оттенков и пластических свойств. Самыми распространенными среди них были сякудо, который давал различные оттенки черного, коричневого, синего и фиолетового цветов, и сибуити, служивший почти неистощимым источником серых тонов. Рецепты изготовления сплавов были профессиональной тайной и передавались от мастера к ученику.

В XVII-XVIII вв. по заказам богатых горожан выполнялись скульптурные образы для домашних алтарей, а также изображения, имеющие благожелательный смысл и охраняющий семейный очаг. Среди них – Дарума, легендарный монах, с именем которого в Японии связано происхождение чая, Дайкоку – божество счастья и богатства, Дзюродзин – божество счастья и долголетия.

Наряду с этим часть предметов домашнего быта служила декоративным целям. Это были курительницы, вазы, блюда, шкатулки, подносы, для которых было характерно соединение различных металлов в одном изделии, применение ажурной резьбы, гравировки, насечки, инкрустации.

Традиции нанесения эмалевого декора на металлическую основу пришла в Японию из Китая в конце XVI в. Техника эмалей имела 4 разновидности: перегородчатая, выемчатая, гравированная и расписная. Эмали называли «сипло» - семь драгоценностей: золото, серебро, изумруд, коралл, алмаз, агат, жемчуг, которые по поверьям приносили людям счастье. Японские перегородчатые эмали XVII-XVIII вв., во много опирающиеся на китайские образцы, отличались ограниченной палитрой слегка приглушенных тонов, четким геометрическим узором, глубоким темно-зеленым фоном. В середине XIX в. техника эмали пережила второе рождение. Были получены многокрасочные блестящие эмали, которые плотно приклеивались к металлической основе и хорошо поддавались шлифовке. Расцвет искусства перегородчатой эмали в конце XIX в. был связан с именем знаменитого мастера Намикава Ясуюки. Из его мастерской выходили небольшие по размеру изделия, сплошь покрытые эмалями, нанесенными с ювелирной тщательностью. Изображения цветов, птиц, бабочек, драконов и фениксов, многочисленные виды традиционного орнамента находили место в сложно сплетенном кружеве узора. Применение золотой фольги создавало искристый мерцающий блеск полированной поверхности изделия.

Изготовление и украшение оружия имеет в Японии древние традиции. Меч рассматривался как священный предмет, подаренный богиней солнца Аматэрасу Омиками своему внуку, которого она послала править на земле и искоренять зло. Прямой с двусторонней заточкой меч (Кэн или Цуруги) стал принадлежностью синтоистского культа и вошел в число императорских регалий.

В средние века меч стал символом сословия воинов, воплотившем могущество, храбрость, достоинство самурая. Считалось также, что в нем живут души умерших предков. В VII в. была создана форма меча с легким изгибом на спинке лезвия односторонней заточки, которая дошла почти без изменений до XIX в. и получила название «нихонто» (японский меч).

С XVI в. аристократы и представители воинского сословия обязаны были носить два меча: длинный – «катана» и короткий – «вакидзаси», который предназначался для совершения ритуального самоубийства. В случае нарушения кодекса чести ученым, ремесленникам и крестьянам по особому разрешению разрешалось носить только вакидзаси или меч без гарды «аикути».

Длительный и трудоемкий процесс изготовления клинка обставлялся как торжественный ритуал, сопровождавшийся специальными молитвами, заклинаниями, облачением кузнеца в церемониальные одежды. Клинок сваривали из нескольких полос, ковали не менее пяти раз, шлифовали и полировали. С конца XII в. клинки начали украшать бороздками, изображениями солнца, луны, звезд, драконов, написями-заклинаниями, выполненными гравированием и углубленным рельефом.

Детали и оправа меча с XVI в. создавались особыми мастерами – оружейниками-ювелирами. Клинок вставляли в рукоятку, основу которой составляли два деревянных бруска, скрепленных металлическим кольцом «фути» и наконечников «касира», рукоятку часто обертывали кожей акулы или ската, называвшейся «самэ» (акула). Существовало поверье, что такая рукоятка сохраняла ритуальную чистоту меча и оберегала владельца. К рукоятке с двух сторон крепились маленькие рельефные металлические детали «мэнуки», которые обеспечивали более прочный захват меча двумя руками. Поверх этого рукоятку обматывали шнуром или тесьмой, создавая на поверхности плетеный узор. Важной деталью меча была «цуба» (гарда) – защитная пластика, отделяющая клинок от рукоятки, ножны малого меча часто были украшены тщательно отделанными металлическими пластинками «кодзука», которые представляли собой рукоятку маленького ножичка, вставленного в специальный карман в ножнах.

В XVII-XIX вв. оружие, утратившее свою практическую ценность, превратилось в декоративное дополнение мужского костюма. В его украшении применяли различные материалы и приемы ювелирной работы, ажурную резьбу, инкрустацию сплавами, разнообразные методы создания рельефных композиций, эмали и лак. Особую художественную завершенность приобрела цуба, которую стали рассматривать как самостоятельное произведение искусства. Сюжетами изображений выступали традиционные мотивы, характерные для других видов искусства: цветы, птицы, пейзажи, буддийские притчи, исторические предания даже оценки городского быта. Детали одного меча сочетались по стилю исполнения и нередко представляли собой развитие одного сюжета.

Среди оружейников, специализировавшихся на украшении мечей, особенно известной была основанная в XV в. школа гото, семнадцать поколений мастеров которой поддерживали ее славу в течение 400 лет.


Япония - удивительная страна , которая очень тщательно чтит и сохраняет свои обычаи и традиции. Японское рукоделие столь же многообразно и удивительно. В этой статье основные рукодельные искусства, чьей родиной является Япония - амигуруми, канзаси, темари, мидзухики, осиэ, кинусайга, теримэн, фурошики, кумихимо, сашико . О некоторых видах Вы наверняка слышали, может быть сами стали творить в этой технике, некоторые не столь популярны за пределами самой Японии. Отличительной чертой японского рукоделия является аккуратность, терпение и усидчивость, хотя… скорее всего эти черты можно отнести к рукоделию мировому).

Амигуруми — японские вязаные игрушки

Японские канзаши — цветы из ткани

Темари — древнее японское искусство по вышивке шаров

На фото шары темари (Автор вышивки: Кондакова Лариса Александровна)

- древнее японское искусство по вышивке шаров, завоевавшее много поклонников во всем мире. Правда Родиной Темари является Китай, в Японию это рукоделие было завезено примерно 600 лет назад. Изначально темари изготавливали для детей используя остатки старых , с изобретением резины оплетение шаров стало считаться декоративно-прикладным искусством. Темари в качестве подарка символизирует дружбу и преданность, также существует поверье, что они приносят удачу и счастье. Профессионалом по темари считается в Японии тот человек, который прошел 4 уровня мастерства, для этого нужно сплести 150 шаров темари и проучиться порядка 6 лет!


еще один процветающий вид японского прикладного искусства, по технологии своей напоминает плетение макраме, но более изящное и миниатюрное.

Итак, что же такое мидзухики - это искусство завязывания из шнуров различных узлов, в результате которого создаются потрясающей красоты узоры, своими корнями уходит в 18 век.

Область применения также разнообразна - открытки, письма, прически, сумочки, упаковка подарков. Кстати, именно благодаря упаковке подарков мидзухики получили широкое распространение. Ведь подарки полагаются к каждому событию в жизни человека. Существует такое громадное количество узлов и композиций в мидзухики, что даже не каждый японец знает их все наизусть, наряду с этим существуют и базовые наиболее распространенные узлы, которые используются для поздравления с рождением ребенка, на свадьбу, поминки, день рождения или поступление в университет.


- японский хендмейд по созданию объемных картин из картона и ткани или бумаги с использованием технологии аппликации. Очень популярен этот вид рукоделия в Японии, у нас в России он пока не получил особого распространения, хотя научиться создавать картины в технике осиэ очень просто. Для создания осиэ-картин необходимы японская бумага васи (в основе которой лежат волокна тутового дерева, гампи, мицумата и ряда других растений) ткани, картон, ватин, клей, ножницы.

Использование японских материалов - ткани и бумаги в этом виде искусства принципиально, ведь бумага васи, например, по своим свойствам напоминает ткань, а, следовательно, прочнее и пластичнее обычной. А что касается ткани, то здесь применяется ткань, из которой шьют . Конечно же японские мастерицы, не покупали для осиэ специально новую ткань, они давали своим старым кимоно новую жизнь, используя ее при создании картин. Традиционно, на осиэ-картинах изображались , дети в национальных костюмах, сцены из сказок.

Перед тем, как приступить к работе нужно выбрать рисунок для картины, такой, чтобы все его элементы имели законченный четкий вид, все линии должны быть замкнуты, как в детской раскраске. Вкратце, технология создания осиэ такова: каждый картонный элемент рисунка оборачивается тканью, предварительно на картон наклеивается ватин. За счет ватина картине и придается объем.


соединила в себе сразу несколько техник: резьбу по дереву, пэчворк, аппликацию, мозаику. Для создания картины кинусайга нужно сначала сделать эскиз на бумаге, перенести затем его на деревянную досточку. На досточке по контуру рисунка делаются углубления, своего рода канавки. После чего из старого шелкового кимоно нарезаются маленькие лоскутки, которые затем заполняют прорезанные канавки на дощечке. В результате полученная картина кинусайга поражает своей красотой и реалистичностью.


- японское искусство складывания ткани , историю появления и основные способы упаковки в этой технике можно почитать . Использовать эту технику для упаковки, красиво, выгодно, удобно. А на японском рынке компьютерной техники новый тренд - ноутбуки упакованные в стиле Фурошики . Согласитесь, очень оригинально!


(Chirimen craft) - старинное японское рукоделие , зародившееся в эпоху позднего японского феодализма. Суть этого декоративно-прикладного искусства - создание игрушечных фигурок из ткани, в основном воплощение животных и растений. Это чисто женский вид рукоделия, японцам мужчинам им заниматься не полагается. В 17 веке одним из направлений «тэримен» стало изготовление декоративных мешочков, в которые вкладывали ароматные вещества, их носили при себе (как духи) или использовали для ароматизации свежего белья (своего рода Саше). В настоящее время фигурки теримен используются для как декоративные элементы в интерьере дома. Для создания фигурок тэримен не нужна специальная подготовка, достаточно иметь ткань, ножницы и много терпения.


- один из самых древних видов плетения шнурков, первые упоминания относятся к 50 году. В переводе с японского kumi - складывание, himo - нити (складывание нитей). Шнурки использовались как в функциональных - крепление самурайского оружия, завязывание доспех на лошадях, связка тяжелых предметов, так и в декоративных целях - завязывание пояса кимоно (оби), упаковка подарков. Плетут шнурки кумихимо преимущественно на станках, различают их два вида, такадай и марудай , при использовании первого получаются плоские шнуры, на втором - круглые.


- простое и изысканное японское рукоделие , чем-то схожее с пэчворком. Сашико – это простая и вместе с тем изысканная ручная вышивка. В переводе с японского слово «сашико» означает «маленький прокол», что полностью дает характеристику технике выполнения стежков. Буквальный перевод с японского слова «сашико» означает «большая удача, счастье». Своим появлением эта старинная техника вышивания обязана… бедности сельских жителей Японии. Не имея возможности заменить старую поношенную одежду новой (ткань в те времена стоила очень дорого), они придумали способ «реставрировать» её с помощью вышивки. Изначально узоры сашико использовались для простежки и утепления одежды, небогатые женщины складывали поношенную ткань в несколько слоев и соединяли ее с помощью техники сашико, таким образом, получалась одна теплая стеганая куртка. В настоящее время сашико широко используется в декоративных целях. Традиционно узоры вышивались на ткани тёмных, в основном - синих, тонов белой нитью. Считалось, что расшитая символическими рисунками одежда охраняет от злых духов.

Основные принципы сашико:
Контраст ткани и нити - традиционный цвет ткани темно-синий, индиго, цвет ниток - белый, часто использовались сочетание черного и белого цветов. Сейчас конечно цветовой палитры так строго не придерживаются.
Стежки никогда не должны пересекаться на перекрестках орнамента, между ними должно оставаться расстояние.
Стежки должны одинакового размера, расстояние между ними также не должно отличаться неравномерностью.


Для данного вида вышивки используют специальную иголку (по типу иглы для швейной машинки). На ткань наносят желаемый рисунок и затем вводят иголку с вдетой ниткой, с изнанки должна остаться маленькая петелька. Данная вышивка отличается быстротой работы, сложность заключается только в умении наносить штрихи и смешивать цвета. Таким способом вышивают целые картины, главное - подобрать нитки, чтобы получился реалистичный рисунок. Нитки используют для работы не совсем обычные - это специальный «шнур», который во время работы распускается и за счёт этого получается очень красивый и необычный стежок.


— в переводе с японского кусури (лекарство) и тама (шар), буквально «лекарственный шар». Искусство кусудамы происходит от древних японских традиций, когда кусудамы использовались для благовоний и смеси сухих лепестков. Вообще кусудама представляет собой бумажный шар, состоящий из большого количества модулей, сложенных из квадратного листа бумаги (символизирующих цветы).

История

Начало использования сшитой одежды в Японии датируется приблизительно 4 веком. И мужчины, и женщины носили верхнюю одежду длиной ниже талии с прямыми узкими рукавами. Под ней мужчины носили штаны хакама, а женщины - длинную складчатую юбку мо.

Повседневная одежда, 4–6 века

Кардинальная перемена происходит в эпоху Асука (593–710): появление буддизма и влияние китайской культуры напрямую сказывается на костюме людей, связанных с императорским двором.

Придворное платье эпохи Асука

Следующее заметное изменение костюма происходит в эпоху Хэйан (794–1185). Это период расцвета придворной культуры. В это время придворная одежда разделилась на три категории: одежды для специальных церемоний, официальные одежды императорского двора и повседневная одежда. Знаменитое (или пресловутое) двенадцатислойное кимоно дзюнихитоэ - это официальный придворный костюм. Двенадцать (а у женщин императорского дома - и шестнадцать) одежд, сделанных из тонкого шелка, надевались друг на друга так, чтобы воротники, рукава и юбки нижних кимоно, выглядывая из-под верхних, образовывали гармоничные цветовые переходы. Официальный мужской костюм сокутай включает верхнюю одежду с длинным «хвостом». Повседневная одежда знати отличается меньшей многослойностью и меньшей длиной.

Придворное платье, эпохи Хэйан и Камакура, официальный и повседневный варианты Церемониальная (сокутай) и повседневная одежда придворного, эпоха Хейан

В эпохи Камакура (1185–1333) и Муромачи (1333–1568) резко возросла роль военного сословия - самураев. Официальный костюм императорского двора сохранился, и самураи, имевшие придворные должности, в официальных случаях надевали сокутай, но их обычной одеждой являлось происходящее от охотничьей одежды каригину. В целом костюм заметно упростился. Женщины самурайского сословия обычно носили подбитое ватой кимоно с относительно узкими рукавами - косодэ, не отличающееся по типу от современного традиционного кимоно. В официальных случаях поверх косодэ они надевали длинное платье учикакэ.

Одежда самурая, эпохи Камакура и Муромачи

Придворное платье, эпохи Муромачи и Адзучи-Момояма (1568–1600): косодэ и учикакэ

В эпоху Эдо (1600–1868) при дворе сёгуна мужчины военного сословия носят костюм, известный как камисимо, но повседневной одеждой и мужчин, и женщин являются косодэ и хакама, в качестве верхней одежды - короткая накидка хаори, завязываемая на уровне груди. Становится обычным оборачивать вокруг талии длинные куски ткани, женский пояс оби постепенно становится шире и декоративнее (девушки завязывают его большими бантами, а замужние женщины - плоским узлом). Сами по себе костюмы очень просты; главное их украшение - богато окрашенные ткани с изысканными узорами. Разнообразные костюмы этого периода можно увидеть в фильмах Куросавы («Семь самураев», «Телохранитель» и др.).

Придворное платье самурая (камисимо), эпохи Адзучи-Момояма и Эдо: косодэ, хакама и накидка катагин Повседневная одежда, эпоха Эдо

Одежду простолюдинов, как водится, обошли все изыски придворной моды - с эпохи хэйан она практически не менялась. Мужской костюм - кимоно длиной до середины бедра или до колена, иногда хакама или короткие штаны. Женский костюм - кимоно длиной обычно по щиколотку, часто также со штанами, начиная с эпохи эдо - широкий пояс оби. Ширина рукавов, естественно, небольшая. Головной убор - платок и /или широкая конусообразная соломенная шляпа. Для защиты от непогоды - соломенный же плащ. Все это можно увидеть в фильмах Куросавы.

В эпоху Мейдзи (1868–1912) для армии, полиции и почтовых курьеров была адаптирована форма западного образца, что стимулировало глобальные перемены в японской одежде. Кимоно все еще господствовало, однако можно было наблюдать смешение западного и восточного стилей: например, мужчины надевали хаори, хакама и шляпу западного типа; женщины, одеваясь по-японски, могли носить европейскую обувь. С приходом эпохи Сёва (1926–1989) западная одежда начинает преобладать, для служащих компаний стандартом становится деловой костюм. Женщины, сначала работающие, а затем и все прочие, также одеваются по-европейски, часто даже дома. В настоящее время кимоно надевается только по праздникам.

Кимоно Основу японского костюма, как мужского, так и женского, составляет кимоно. Что это такое, объяснять вряд ли надо. По-японски «кимоно» означает также одежду вообще.

Крой кимоно вполне линейно-прямоугольный. Традиционное кимоно шилось из примерно 9 м ткани шириной 30 см. Главные особенности кроя видны на рисунке.

Кимоно - одежда «безразмерная». Его ширина по спинке - около 60 см, на полочках может делаться припуск для запаха (в современном кимоно он есть, исторически - когда как). Длина зависит не столько от роста владельца, сколько от того, как его собираются носить, потому что кимоно всегда можно укоротить за счет складки под поясом. Мужское кимоно лучше шить примерно той длины, которой нужно, женское может быть сантиметров на 20 длиннее.

Треугольные клинья для увеличения ширины - необязательная деталь. Если они есть, то вшиваются примерно от талии.

Воротник делается из прямоугольного куска ткани и обычно доходит до пояса (под который и прячутся его края), но может доходить и до подола. То, что выглядит как фигурный вырез юбки в верхних слоях исторического многослойного кимоно - это края достаточно широкого воротника.

Крой

На схеме показан «экономичный» раскрой кимоно без треугольных клиньев в боках из ткани шириной около 110 см. Ткань разрезается по всем сплошным линиям. Внимание: к желаемой длине кимоно прибавьте припуск на подгибку низа, в остальном размеры деталей даны с припусками на швы. Горловину не надо вырезать, пока спинка не будет сшита по среднему шву. Приведенная выкройка исторична в том смысле, что спинка и полочки состоят из двух частей. Конечно, их можно сделать и цельнокроеными.

Длины рукава 54 см обычно хватает с избытком (укоротить всегда можно), для очень высокого и длиннорукого человека придется кроить их иначе. Ширина рукава около 75 см нормальна для косодэ, у некоторых разновидностей кимоно рукава могут быть значительно шире.

Шитье

Если ткань «сыпучая», обработайте зигзагом все края перед тем, как приступать к шитью.

1. Сшейте две части спинки. На получившейся детали разметьте и вырежьте горловину (вот здесь не забудьте оставить припуск на шов).

2. Пришейте передние полочки к задним по плечевым швам (от края плеча до горловины) и надставки полочек к полочкам.

3. Сложите рукава пополам (линия сгиба нарисована пунктиром) и сшейте от плеча до запястья, чтобы получились две «трубы».

4. Сшейте рукава с кимоно, совмещая середину рукава с плечевым швом. Это можно сделать тремя способами: пришить рукав по всей ширине (так иногда шились косодэ), пришить только верхнюю часть и зашить оставшуюся или пришить верхнюю часть и оставить остальное открытым (так делается чаще всего, особенно на многослойных кимоно).

5. Сшейте бока от шва втачивания рукава до низа.

6. Примерьте кимоно, выровняйте плечи и середину спинки и запахните. Загните на полочках треугольники от точки горловины до того уровня, куда должен заходить воротник. Заколите булавками и (конечно, сняв кимоно) отрежьте лишнюю ткань.

7. Сшейте три части воротника в одну длинную полосу, сложите ее вдоль пополам, сшейте, выверните и прогладьте (получится лента шириной около 5 см).

8. Пришейте воротник к кимоно, совместив середину воротника с серединой спинки (лучше шить от середины в обе стороны), - либо до низа кимоно, либо до тупых углов края запаха (как на рис. выше). Лишнюю длину воротника отрежьте.

9. Наконец, подшейте все края.

Хакама Это широкие, обычно складчатые, штаны (или - что менее известно - юбка) с разрезами от пояса до бедра. Благодаря этому хакама, как и кимоно, можно надеть и на толстого, и на худого человека. У женских хакама пояс выше - он завязывается под грудью.

Крой

Ткань шириной около 110 см кроится по указанным линиям. Как и для кимоно, к длине хакама надо прибавить несколько сантиметров на подгибку. В остальном припуски на швы включены в выкройку.

Шитье

Если ткань «сыпучая», прежде всего обработайте все края зигзагом. 1. Сшейте попарно детали передних и задних половин каждой штанины (должны получиться 4 одинаковых детали).

2. Две передних детали сшейте вместе по среднему шву от верха на 30 см (для женских хакама эта длина может быть больше, скажем, 40 см, - из-за того, что они надеваются выше), точно так же сшейте задние.

3. С внешних верхних краев каждой из получившихся деталей отогните на изнаночную сторону треугольник размером ок. 12 см сверху и 22 см сбоку, отрежьте лишнюю ткань, оставив припуск на подгибку, и подшейте. 4. Возьмите ластовицу, сложите углом к месту окончания среднего 30-сантиметрового шва передней половины хакама и пришейте двумя сторонами к левой и правой штанине. То же самое сделайте с задней половиной и оставшимися краями ластовицы.

5. Сшейте переднюю половину с задней от ластовицы до низа.

6. Теперь пора закладывать складки. Спереди их обычно от 3 до 6 с каждой стороны, направлены они к центру.

При правильно заложенных складках ширина хакама получается втрое меньше исходной ширины материала, то есть в результате расстояние от среднего шва до края должно быть около 20 см. Важно: на хакама настоящего самурая складки жестко заглажены (никаких мягких драпировок).

Сзади закладывается по одной большой складке с каждой стороны, с заходом на 2–3 см на средний шов, из-за чего задняя сторона хакама чуть уже передней.

Зашейте складки вдоль внешнего края.

7. Сшейте бока от разрезов до низа.

8. Подшейте штанины.

9. Ну и, наконец, осталось сшить и пришить пояса. Для каждого из поясов части сшиваются в одну длинную полосу, полоса складывается вдоль пополам, сшивается, выворачивается и проглаживается. Получаются две ленты шириной около 5 см, передняя должна быть более длинной. Они пришиваются к верху хакама, так чтобы середина каждого пояса совпадала со средним швом.

Как это носят

Раньше под верхнее кимоно обязательно надевали нижнее (оно называется дзюбан). Сейчас вместо него обычно надевают белый шарфик и, возможно, нижнюю юбку. Шарфик (или воротник нижнего кимоно) должен быть виден.

И мужчины, и женщины запахивают кимоно так, чтобы правая пола была снизу, а левая сверху (по европейским понятиям это называется «по-мужски»), а не иначе. Наоборот - только у главного действующего лица похоронного обряда.

Перво-наперво кимоно поднимается до нужной длины, и на талии завязывается узкий пояс «коси-химо» (он перекрещивается сзади и завязывается спереди). Затем кимоно окончательно выравнивается, разглаживаются складки и т.п., и вся конструкция фиксируется несколько более широким поясом «датэ-дзимэ». Складка, образовавшаяся при подгонке длины, может быть видна из-под оби, тогда создается иллюзия, что костюм состоит из двух частей. Собственно оби - это большущая полоса ткани (современный официальный оби имеет длину 4 м и ширину 60 см, в сложенном виде - 30), которая дважды оборачивается вокруг талии и завязывается сзади сложным бантом или узлом. Способы завязывания есть отдельное искусство. Один из относительно простых способов - двойной бант-бабочка. Если нужна не реконструкция, а стилизация костюма, можно завязать или даже сшить бант заранее и сделать на поясе потайную застежку - ведь даже хорошая ткань мнется на месте узлов, и бант, завязанный на второй-третий раз, может утратить декоративность - готовый бант сохранить красивым проще. Наконец, поверх оби надевается декоративный пояс-шнур «оби-дзимэ», его узел или застежка находятся спереди. С мужским кимоно несколько проще: его пояс более узкий (не больше 10 см) и проходит по талии или ниже живота. Складка на талии и декоративный шнур отсутствуют.

Хакама надевается поверх короткого (до середины бедра) кимоно. Оба пояса обязательно обматываются вокруг талии и завязываются спереди. Поверх может надеваться накидка хаори или длинное верхнее платье (у женщин). То и другое обычно также имеет линейный крой.

Ткани

Кимоно, особенно богатое кимоно, шьется, конечно, из натурального шелка, причем специально декорированного. Даже если иметь много денег на соответствующую ткань (а ее еще и найти надо), то портить (неизбежно) такое в лесу… Ну, бывают фанаты…

В игровом же плане прекрасно себя зарекомендовал всяческий искусственный шелк и разнообразные шторные материалы, от вуали до портьерного шелка. Главное, выбирая ткань, следить, чтобы она не слишком мялась, ибо мятое кимоно смотрится ужасно. По этой причине категорически не рекомендуется использовать подкладочную ткань - почти любая подкладочная ткань сильно мнется, а кроме того, в ней душно.

К слову сказать, юката (почему-то с этим названием иногда возникает путаница) - это всего лишь хлопчатобумажное кимоно, летнее или домашнее, которое носится без нижнего кимоно. Отличие от «настоящего» кимоно только в материале.

Вообще говоря, существуют традиции, какие цвета и узоры подходят к какому времени года или событию. Но, при всей интересности темы, к играм она малоприменима, а фанатам-знатокам и реконструкторам мы вряд ли сможем сообщить что-то новое. Основное правило: чем персонаж богаче и знатнее, тем ярче и насыщеннее цвета. Хакама не должны быть светлее, чем кимоно, с которым они носятся.

Дополнения Традиционная японская обувь - это таби, носки с отдельным большим пальцем, и гэта, сандалии с деревянной подошвой и кожаными ремешками.

Головной убор у женщин чаще всего отсутствует, зато присутствует прическа, иногда простой «хвост», иногда - нечто сложное с декоративными гребнями и заколками. Коротко стриженых блондинок спасти может разве что парик. У мужчин-придворных в эпохи Хэйан и Камакура встречается высокая шапка. Для самураев обязательна соответствующая прическа, возможна повязка типа широкого хайратника или платок типа банданы.

Веер - просто необходим богатой даме, а также аристократу эпохи Хэйан и Камакура. Можно изготовить самостоятельно, но гораздо проще купить, благо, продается в любом ларьке восточных сувениров и стоит в пределах 50 руб.

(нету про развитие костюма) К произведениям японского декоративно-прикладного искусства традиционно относят лаковые, фарфоровые и керамические изделия, резьбу по дереву, кости и металлу, художественно украшенные ткани и одежду, произведения оружейного искусства и т. д. Специфика произведений декоративно-прикладного искусства состоит в следующем: они имеют, как правило, сугубо практическое, утилитарное применение, но при этом играют еще и чисто эстетическую роль, служа украшением повседневной жизни человека. Эстетика окружающих предметов для японцев была важна не менее, чем их практическое назначение: любование красотой. Более того, для традиционного сознания японцев свойственно особое отношение к красоте как одной из загадок мироздания. Красота для японцев - это явление, выходящее за пределы нашего обыденного мира, который можно описать словами и понять рассудком. Современная западная культура чем дальше, тем больше пытается свести человеческую жизнь к рамкам рассудочного, бытового мировосприятия, где господствуют законы так называемого «здравого смысла». Для японцев же, несмотря на их крайнюю практичность и прагматичность в делах житейских, обыденный, материальный мир, безусловно, воспринимался как иллюзорный и преходящий. И что за его гранью находится другой, непроявленный мир, который принципиально не поддается меркам «здравого смысла» и который нельзя описать словами. Там обитают высшие существа, с ним связана загадка жизни и смерти, а также многие тайны бытия, в том числе и принципы красоты. Тот мир отражается в нашем, как луна в водной глади, отзываясь в душах людей острым и щемящим ощущением прекрасного и загадочного. Тех, кто не способен увидеть и по достоинству оценить эту тонкую и многогранную игру смыслов и оттенков красоты, японцы считают безнадежными, грубыми варварами.

Для того чтобы утвердиться в своей сопричастности трансцендентному миру, японцы (прежде всего - элита, аристократия) придавали огромное значение ритуальным действиям, и особенно их эстетической стороне. Отсюда происходят церемонии любования цветом сакуры, алыми кленами, первым снегом, восходами и закатами, а также поэтические состязания, аранжировка цветов (икебана), театральные постановки и т. д. Даже таким простым житейским ситуациям, как питие чая или сакэ, встреча гостей или вступление в интимную близость, японцы придавали значение мистического действа. Предметы быта при этом попутно играли роль ритуальных атрибутов. Мастера, создававшие такие предметы, стремились придать им безупречный эстетический облик. Например, многие чаши для чайной церемонии, на первый взгляд, грубые и неровные, ценились необычайно высоко прежде всего за то, что несли на себе печать «потусторонней» красоты, они словно вмещали в себя целую Вселенную.

Это же в полной мере относится и ко многим другим произведениям декоративно-прикладного искусства: фигуркам, - нэцкэ, коробочкам - инро, лаковым изделиям, изящным косодэ (кимоно с коротким рукавом) с изысканным и прихотливым декором, ширмам, веерам, фонарям и, особенно, традиционному японскому оружию. Практическое воплощение традиционных эстетических принципов в японском декоративно-прикладном искусстве мы рассмотрим на примере японских художественных мечей.

С глубокой древности известны в Японии лаковые изделия, их остатки находят в археологических памятниках эпохи Дзёмон. В условиях жаркого и влажного климата лаковые покрытия защищали деревянные, кожаные и даже металлические изделия от разрушения. Лаковые изделия в Японии нашли самое широкое применение: посуда, домашняя утварь, оружие, доспехи и т. д. Лаковые изделия служили также украшением интерьеров, особенно в домах знати. Традиционные японские лаки - красный и черный, а также золотистый; к концу периода Эдо началось производство желтого, зеленого, коричневого лака. К началу XX в. был получен лак белого, голубого и фиолетового цвета. Лак наносится на деревянную основу очень толстым слоем - до 30-40 слоев, затем полируется до зеркального блеска. Существует много декоративных техник, связанных с использованием лака: маки-э - использование золотой и серебряной пудры; уруси-э - лаковая живопись; хёмон - сочетание; лаковой живописи с золотой, серебряной и перламутровой инкрустацией. Японские художественные лаковые изделия высоко ценятся не только в Японии, но и на Западе, их производство процветает и по сей день.

Особое пристрастие испытывают японцы к керамическим изделиям. Наиболее ранние из них известны по археологическим раскопкам и относятся к периоду Дзёмон. На развитие японской керамики и, позже, фарфора значительное влияние оказали китайские и корейские технологии, в частности, обжига и цветного глазурного покрытия. Отличительная черта японской керамики - мастер внимание уделял не только форме, декоративному орнаменту и цвету изделия, но и тем тактильным ощущениям, которые оно вызывало при соприкосновении с ладонью человека. В отличие от западного японский подход к керамике предполагал неровность формы, шероховатость поверхности, разбегающиеся трещинки, потеки глазури, отпечатки пальцев мастера и демонстрацию природной фактуры материала. К художественным керамическим изделиям относятся, прежде всего, чаши для чайных церемоний, чайники, вазы, горшки, декоративные блюда, сосуды для сакэ и т. д. Фарфоровые изделия представляют собой, в основном, тонкостенные вазы с изысканным декором, чайные и винные сервизы и разнообразные статуэтки. Значительная часть японского фарфора специально изготовлялась на экспорт в страны Запада.

В отдельности про каждое:

КЕРАМИКА
Древнейшая керамика Японии
Японцы издавна пытали сильную любовь к якимоно.* Из обжиговых печей выходило множество керамических изделий, различающихся по цвету, форме и текстуре поверхности. Своеобразная культура повседневности, созданная японцами, начинается с керамической столовой посуды - мисок для риса, кружек без ручек и подставок под палочки для еды. Эти страницы дают нам представление об увлечении японцев керамикой и фарфором.
* По-японски керамика (“токи”) и фарфор (“дзики”) известны под собирательным термином “якимоно”.

История развития японской керамики
Первые гончарные изделия были изготовлены на японском архипелаге около 13 000 лет тому назад. Насколько известно, это произошло раньше, чем где-либо в мире. Наиболее известны большие, глубокие горшки для кипячения жидкости. Изделия украшались орнаментом из накатки или оттиска плетёной верёвки. За эти верёвочные декоры гончарные изделия тех времён получили название “дзёмон доки” (“дзё” = верёвка; “мон” = орнамент, “доки” = гончарные изделия). Около 5000 лет назад, в эпоху Дзёмон, появились динамичные по форме модели с орнаментом в виде вздымающейся волны на горлышке кувшинов и причудливыми узорами, покрывающими всю внешнюю поверхность изделий.
В течение последующей эпохи Яёй с началом культивации риса появились и новые типы керамических изделий, ввозимые с Корейского полуострова. Посуда Яёй была частью повседневной жизни и использовалась для хранения и приготовления пищи, а также для подачи блюд к столу. Она была менее декорирована, чем посуда Дзёмон, а в её оформлении использовались в основном светлые тона.
Примерно в начале 5 в. произошли основные изменения, связанные с приходом в Японию, вновь с Корейского полуострова, новых технологий. Прежде глиняные изделия обжигались на кострах, новый же тип керамики, Cуэки, стали подвергать высокотемпературной обработке в особых туннельных печах, устроенных в склонах холмов. Изделия Суэки представляли собой уже настоящую керамику.
Примерно с середины 7 в. японские гончары начали изучать корейские и китайские технологии. От своих соседей они научились пользоваться глазурью и обжигать глину при относительно низких температурах. Изделия тех времён покрывались глазурью тёмно-зелёного тона или, подобно керамике нара сансай, полихромной глазурью, в которой преобладали красный, жёлтый и зелёный цвета. Однако и тот и другой вид керамики пользовался популярностью только у членов императорского двора, придворной знати и служителей храмов, и начиная с 11 в. эти изделия больше не производились.
Новые достижения, сопутствующие созданию изделий Суэки, дали толчок к началу строительства обжиговых печей по всей стране. Гончары заметили, что древесный пепел в раскалённой обжиговой печи взаимодействует с глиной, образуя естественную глазурь. Это подсказало им технологию посыпания гончарных изделий пеплом в процессе их обжига. Метод получения естественной пепельной глазури был впервые применен в печах Санагэ в провинции Овари (теперь это северо-западная часть префектуры Аити).
Производство керамики Суэки в средние века стимулировало развитие новых технологиий. Шесть исторических центров гончарного производства Японии-Сэто, Токонамэ, Этидзэн, Сигараки, Тамба и Бидзэн-были основаны именно в то время. Их обжиговые печи работают и по сей день. Почти на всех из них производится фаянсовая посуда, внешне похожая на керамическую-преимущественно большие кувшины, вазы и горшки.
Глазурованные предметы роскоши производились только в Сэто, расположенном возле старинных обжиговых печей Санагэ. Гончары Сэто старались удовлетворить запросы аристократов и самураев, которые проявляли большой интерес к керамическим и фарфоровым изделиям в китайском стиле Сун. В их отделку были включены новые цвета. Характерной ообеностью этой посуды стало использлвание жёлтого цвета с оттенками красного, коричневого или зелёного. Гончары черпали вдохновение в образцах, привезенных с континента. При этом идеалы стиля Сун они приводили в соответствие со вкусами японцев, с их представлениями о новых формах и украшении домашней утвари. Примерно до конца 16 в. Сэто был единственным центром в Японии, который производил глазурованную керамику.

В эпоху междоусобных войн (1467-1568 гг.), охвативших всю страну, гончары Сэто ушли на север, за горы, в Мино (сегодня это южная часть префектуры Гифу). Здесь было положено начало новым стилям, характерным именно для Японии. Лучше всего они представлены изделиями Кисэто, Сэто-гуро, Сино и Орибэ.
Именно в это время зародилась чайная церемония. Обычай чаепития пришёл из Китая в конце 12 в., но лишь в 16-м столетии при приёме гостей стало модным уделять особое внимание церемонии подачи чая.
Оттенки жёлтого, белого, чёрного, зелёного и других цветов керамики Мино указывают на влияние китайской и корейской керамики, однако несимметричная форма и абстрактные узоры свидетельствуют о её самобытном японском характере. Для становящейся все более и более популярной чайной церемонии требовались изысканные чашки, тарелки, блюда, коробки для фимиама, цветочные вазы и подсвечники. Мастерские Мино живо откликались на эти требования.
С наступлением эпохи Момояма (конец 16 в.) пришёл конец междоусобным войнам, завершившимся объединением Японии, и чайная церемония получила дальнейшее развитие. В это время претерпевает изменения японское гончарное производство. Тоётоми Хидэёси начал военную кампанию на корейском полуострове, что открыло возможности самураям, поклонникам чайной церемонии, привозить корейских гончаров в Японию и привлекать их к строительству обжиговых печей. Много новых производственных центров было создано в разных частях Кюсю, включая Карацу, Агано, Такатори, Сацума, Хаги. Производство изделий Карацу было самым разнообразным и масштабным - чаши для чая, цветочные вазы и многие предметы домашнего обихода поставлялись оттуда во все уголки страны.
Фарфор появился в Японии только в начале 17 в., когда корейские гончары начали здесь его изготовление. Это стало важной вехой в развитии японского гончарного производства. Вскоре после этого были открыты залежи фарфоровой глины, теперь известной как каолин, в Идзумияме, Арита, на Кюсю. Она оказалась идеальной для производства тонкостенных, лёгких и прочных изделий. Благодаря яркой синей росписи, наносимой на белый фон, они стали предметом ажиотажного спроса по всей Японии. А поскольку изделия поставлялись из близлежащего порта Имари, они стали известны как фарфор Имари. На начальном этапе существования производства Имари очевидным было влияние на него корейского фарфора, однако вскоре из Китая было ввезено большое количество фарфоровых изделий, которые также стали объектом изучения для японских ремесленников. Постепенно качество домашней керамической утвари значительно улучшилось. Мастеровой по имени Сакайда Какиэмон изобрёл способ нанесения на поверхность изделия мягких оранжево-красных оттенков, что позволило создавать изумительные цветные рисунки на молочно-белом фоне.
Европейские королевские дворы и знать, очарованные красотой восточного искусства, наперебой расхватывали фарфоровые изделия Имари. Вскоре ремесленники в Мейсене (Германия), Дельфте (Нидерланды) и других европейских центрах начали копировать изделия Имари, включая стиль Какиэмон. Это был золотой век японской керамики.
Нономура Нинсэй, живший в 17 в. в Киото, императорском городе, создал свой собственный стиль-королевский, открывающий целый мир красочной фантазии. Огата Кэндзан, Окуда Эйсэн и Аоки Мокубэй обогатили этот утончённый мир керамики Кё, создав основу для развития современного стиля Кёмидзу.

В 19 в. керамическое производство развивалось стремительными темпами по всей стране. Стили госю-акаэ (красная глазурь) и сёндзуй, разработанные на основе поздних образцов китайского стиля Мин, приобрели в это время огромную популярность, о чём свидетельствует и современная японская столовая посуда.
Керамика, изготовленная в Японии, представлялась на международных выставках в Париже в конце 19-го столетия, в результате чего изделия Имари, Сацума и Кутани оказывали влияние на манеру европейских ремесленников. Интерес к японским изделиям отразился на эволюции современного искусства.
История японской керамики немыслима без корейского и китайского влияния. Однако очевидно и то, что, откликаясь на художественные вкусы и образ жизни японцев, это ремесло пошло своим собственым путем и привело к созданию уникального искусства и целой отрасли промышленности.

Необыкновенное разнообразие керамических изделий в Японии
Во всем мире японская керамика считается непревзойденной по количеству и разнообразию существующих технологий и стилей. Современная столовая посуда- керамическая или фарфоровая- выпускается в Японии в широком ассортименте форм и декоративных решений.
Японские гончарные изделия можно разделить на три группы: (1) глиняная посуда с уникальной текстурой, напоминающей на ощупь грунт, лучше всего она представлена изделиями Бидзэн, Сигараки, Этидзэн и Токонамэ; (2) керамика с массивной глазурью и тёплым, землистым оттенком, которая получила известность благодаря изделиям Орибэ и Мино для чайной церемонии, простым изделиям Масико, а также изделиям Карацу и Хаги, перекликающимся с керамическим искусством Корейского полуострова; и (3) фарфор, представленный посудой Имари, известной благодаря использованию в ее оформлении эффектного белого фона, а также изделиями Кутани с ослепительной раскраской по всей поверхности. Каковы бы ни были технология и конструкция обжиговой печи, гончарные изделия, созданные японскими мастерами, всегда свидетельствовали о поиске красоты, продолжающемся столетия.
Почему так велико разнообразие внутри каждой группы гончарных изделий? Для получения ответа на этот вопрос мы должны рассмотреть тесную взаимосвязь между керамикой и чайной церемонией.
Идеалы чайной церемонии, заключающиеся в простоте и покое, нашли своё самое яркое воплощение в эпоху Момояма (конец 16 в.). Выражением этих новых для того времени идеалов стало слово ваби, означающее простоту и умиротворённость. Мастера чайной церемонии, желавшие, чтобы их посуда передавала дух ваби, демонстрировали свою оригинальность и расширяли своё влияние тем, что заказывали ремесленникам чаши для чая и другие предметы, которые внешне как бы “дышали” этими идеалами.
Необыкновенная творческая энергия эпохи Момояма вдохнула новую жизнь в искусство японской керамики. Это можно видеть в изделиях Сэто-гуро с абсолютно чёрными тонами, полученными в результате выемки изделий из печи в процессе обжига; в утвари мастерской Кисэто с ее динамичным оформлением; в изделиях Орибэ с их смелыми формами и замысловатыми узорами, выполненными глазурью зелёного и железистого цвета; в строгих простых изделиях Сино.
Исполнители чайной церемонии иногда дают имена отдельным принадлежностям, которые им больше всего нравятся, скажем, чаше для чая, вазе, сосуду для воды или коробке для фимиама. Где еще в мире можно встретить подобное отношение к гончарному изделию? Не это ли свидетельство глубины увлечения японцев керамикой!

Другой причиной столь широкого разнообразия керамических изделий является тот факт, что для японской кухни требуется широкий ассортимент столовых приборов, значительно более широкий, чем для любой другой кухни в мире.
В давние времена японская знать предпочитала есть и пить, используя в основном лакированную посуду, но всё изменилось благодаря мастерам чайной церемонии. Они начали использовать керамические сервизы для подачи закусок кайсэки перед чаем и постепенно пришли к пониманию, что керамическая посуда придаёт еде более осязаемое визуальное восприятие и свежесть. Утварь для чайной церемонии подбиралась в соответствии со временем года и, подавая столовую посуду, например, тарелки муко-дзукэ для сервирования кусочков сасими, посуду для сакэ и жареной еды, хозяин удовлетворял высокие эстетические запросы гостей. Именно мастера чайной церемонии обогатили ритуал принятия пищи, внеся в него момент визуального, эстетического наслаждения.
Начиная с середины 19 в., фарфор занял важное место на обеденном столе благодаря удобству в его использовании. Сегодня столовая посуда из керамики стала нормой повседневной жизни. И только суп мисо традиционно принято пить из гладких лакированных чашек. Эти чашки не предназначены для повседневной трапезы.
Рис, составляющий основу рациона японцев, принято есть из небольшой чаши, которую держат в руке, причем во многих семьях каждый имеет свои собственные чаши для риса. Подобные застольные традиции только укрепили любовь японцев к керамической посуде.

ЛАК
короче он из смолы деревьев.

Есть, свидетельства, что лак использовался в Японии каменного века 5000 - 6000 лет назад, как клей, которым крепили наконечники стрел. Но уже приблизительно 4000 лет назад, ярко-красный и черный лаки использовались как покрытие на посуде, оружии, и украшениях. Так же известно, что спустя приблизительно 100 лет после Ямато Такеру но Микото, существовала гильдия ремеслеников, называвшаяся - "Urushi-be", специализировавшаяся в искусстве лака.

Техника декоративного лака пришла в Японию в 5 или 6 столетии, во время введения Буддизма из Китая, где задолго до объединения Японии, мастера создавали шедевры прикладного искусства из многослойного черного и красного лака.

В конце 8-го столетия, в ранний период Хейан, Япония прекратила посылать торговые миссии в Китай. Культура Японии оказалась отрезанной от континентального влияния. Именно в период Хейан, с конца 8-го до 12-го столетия, искусство лака в Японии развилось в совершенно уникальный, японский стиль. Посуда и мебель того времени были сделаны главным образом дерева. Поэтому неудивительно широкое использование лака, чтобы добавить красоту и крепость недолговечным деревянным изделиям. К этому же периоду относится техника "Маки" - золочение поверхности с последующим лакированием (так же смешивание лака с золотой или серебряной пылью). Изделия, выполненные в этой технике стали очень популярным среди высших сословий.

Культурный обмен с континентом был возобновлен в 13 веке и японские лаковые изделия получили широкое распрастронение за границей через Китай и Корею. С другой стороны, в Японию пришли новые техники декорирования, прекрасно дополнившие традиции местных мастеров.

В 17-ом столетии, искусство лака Японии стало более утонченным. С одной стороны развивались новые стили, в то время как различные традиционные техники, характерные для разных областей стали соединяться, создавая интереснейшие сочетания.

Именно такое сплавление техник произошло в Каназава, в префектуре Ишикава. Клан Кага, поощрявший развитие ремесел на своей территории, пригласил выдающихся мастеров со всей Японии, в том числе и мастеров лака. Через несколько поколений, в Каназава были созданы совершенно уникальные стили традиционных ремесел, которые до сегодняшнего дня славятся своей красотой и изяществом.

РАЗВИТИЕ КОСТЮМА

НЭЦКЕ
Нэцкэ – миниатюрная скульптура, произведение японского декоративно-прикладного искусства. Нэцкэ использовалось в качестве брелока, противовеса, на традиционной японской одежде, которая была лишена карманов и все необходимые предметы (кисет, кошелек, инро, сагемоно, различные мелочи) подвешивались на поясе при помощи веревок и закреплялись при помощи нэцки, закрепленной на противоположном конце шнура. Нецки не следует путать с окимоно – также миниатюрной японской скульптурой, похожей на нэцки и по оформлению, и по сюжетам, и нередко по размерам, но никогда не носимой на поясе. Однако отсутствие отверстий для подвеса «химотоси» в нэцкэ не является отличительной чертой, так как встречались нецки без химотоси или с искусно замаскированными внутри композиции фигуры химотоси. Традиционными материалами для изготовления нецкэ считаются слоновая кость и дерево. Также использовались металлы, золото, серебро, бронза, сякудо, перламутр, фарфор, керамика, рог оленя, рога животных, черепаховый панцирь, клыки моржа и нарвала, внутренние кости животных, различные орехи, кораллы, лаки, и пр. Существуют различные школы нецки, различающиеся по основным сюжетам, используемым материалам, техникам. Наличие подписи на нецкэ не является основным фактором, влияющим на цену и ценность предмета. Сюжеты, используемые в нецкэ очень разнообразны. Бытовые, натурные и натуралистические, исторические, легендарные, мифологические, сказочные. Практически все нецки имеют своеобразную символику и отражают какую-то идею или пожелание.

Катабори – самый известный тип нэцкэ – компактная резная скульптура, которая может изображать людей, животных, многофигурные группы. Саси – одна из наиболее старых форм нэцке. Она представляет собой удлиненный крюк с отверстием для шнура. Способ употребления саси отличается от всех других форм. Чаще всего его подвешивали за край пояса. Мандзю – нецкэ в виде толстого диска, повторяющей форму рисовой лепешки. Иногда делается из двух половинок. Рюса – вариант формы мандзю, выделенный специалистами в отдельный вид. Основное отличие этой формы в том, что она пустая внутри, и выполнена в технике сквозной резьбы. Кагамибута – также сходна с мандзю, но выполнена в форме традиционного священного зеркала, нижняя часть нецке, выполненная из слоновой или другой кости, рога, дерева или других материалов, сверху покрыта металлической крышкой или пластинкой, на которой и сосредоточена основная часть декоративного оформления.

Со времени своего возникновения, нецки превратились в предмет коллекционирования сначала в Японии, где можно было обменять, подарить, продать, заказать, купить нэцкэ, а с девятнадцатого века, это увлечение распространилось и на Европу и Америку, где коллекционирование нэцкэ достигло своего пика. Рынок нецкэ очень живой и постоянно обновляющийся, сейчас у коллекционеров всего мира есть возможность купить нэцкэ как в частных коллекциях, так и найти предметы из коллекций крупных музеев. Покупка и продажа нэцкэ в таком случае происходит через уважаемых дилеров антиквариата и/или аукционные дома. Теперь не только в Японии но и во всём мире стало очень популярным купить нэцкэ для подарка с символическим значением, пожеланием или скрытым смыслом. Стоит отметить, что в русском языке довольно часто встречаются такие написания слова нэцкэ как нецке, а также нэцке, или нецкэ, а иногда даже нецки или нэцки. В отличие от канонического «нэцкэ», прочие написания возможны, но не желательны.

НАПРАВО КИМОНО ЗАПАХИВАЕТСЯ БЛЕАТЬ

Кимоно́ (яп. 着物, кимоно, «одежда»; яп. 和服, вафуку, «национальная одежда») - традиционная одежда в Японии. С середины XIX века считается японским «национальным костюмом». Также кимоно является рабочей одеждой гейш и майко (будущая гейша).
Фурисодэ (яп. 振袖, дословно «развевающиеся рукава») - традиционный японский наряд незамужних девушек и невест, кимоно с длинными рукавами.
Томэсодэ (яп. 留袖?, закреплённый рукав) - тип кимоно для замужних женщин. Отличается от фурисодэ укороченным рукавом, рисунок идёт только по подолу ниже оби, не затрагивая рукава; на томэсодэ обязательно должны присутствовать гербы.
Оби (яп. 帯?, букв. «пояс») - несколько различных типов японских поясов, носимых как мужчинами, так и женщинами поверх кимоно и кэйкоги.
Гэта (яп. 下駄?) - японские деревянные сандалии в форме скамеечки, одинаковые для обеих ног (сверху имеют вид прямоугольников со скруглёнными вершинами и, возможно, немного выпуклыми сторонами). Придерживаются на ногах ремешками, проходящими между большим и вторым пальцами. В настоящее время их носят во время отдыха или в ненастную погоду. По меркам европейцев это очень неудобная обувь, но японцы пользовались ею не один век, и она не причиняла им неудобств.
Варэсинобу (яп. 割れしのぶ?, разрезанная тайно) - женская японская причёска, популярная сегодня среди учениц гейш.
Сакко (яп. 先笄 сакко или сакико:гай?, последняя шпилька) - женская причёска, популярная среди замужних женщин купеческого сословия в районе Камигата (окрестности Киото) во вторую половину периода Эдо. Появилась в окрестностях города Окадзаки (префектура Айти). В Канто была более популярна причёска марумагэ, а сакко получила признание только после революции Мэйдзи.
Сегодня сакко - последняя причёска майко перед эрикаэ, церемонией перехода в гейши.
Симада (яп. 島田?) - японская женская причёска, разновидность пучка. Сегодня симаду носят почти исключительно гейши и таю (разновидность ойран), но в период Эдо её носили девочки 15-20 лет, до замужества. Как и другие причёски, украшается кандзаси.
Кандзаси (яп. 簪?, встречается также написание 髪挿し) - японские традиционные женские украшения для волос. Кандзаси носят с кимоно.

Декоративно-прикладное искусство Японии В сферу художественных изделий из металла входили храмовая скульптура и утварь, оружие и декоративные предметы, употреблявшиеся в быту, разнообразие и совершенство обработки традиционных металлов (бронза, железо, медь, сталь) сочетались с применением сложных сплавов, отличавшихся богатством цветовых оттенков и пластических свойств.Самыми распространенными среди них были сякудо, который давал различные оттенки черного, коричневого, синего и фиолетового цветов, и сибуити, служивший почти неистощимым источником серых тонов.

Рецепты изготовления сплавов были профессиональной тайной и передавались от мастера к ученику.В XVII-XVIII вв. по заказам богатых горожан выполнялись скульптурные образы для домашних алтарей, а также изображения, имеющие благожелательный смысл и охраняющий семейный очаг. Среди них – Дарума, легендарный монах, с именем которого в Японии связано происхождение чая, Дайкоку – божество счастья и богатства, Дзюродзин – божество счастья и долголетия.

Наряду с этим часть предметов домашнего быта служила декоративным целям. Это были курительницы, вазы, блюда, шкатулки, подносы, для которых было характерно соединение различных металлов в одном изделии, применение ажурной резьбы, гравировки, насечки, инкрустации. Традиции нанесения эмалевого декора на металлическую основу пришла в Японию из Китая в конце XVI в. Техника эмалей имела 4 разновидности: перегородчатая, выемчатая, гравированная и расписная.Эмали называли «сипло» - семь драгоценностей: золото, серебро, изумруд, коралл, алмаз, агат, жемчуг, которые по поверьям приносили людям счастье.

Японские перегородчатые эмали XVII-XVIII вв во много опирающиеся на китайские образцы, отличались ограниченной палитрой слегка приглушенных тонов, четким геометрическим узором, глубоким темно-зеленым фоном. В середине XIX в. техника эмали пережила второе рождение.Были получены многокрасочные блестящие эмали, которые плотно приклеивались к металлической основе и хорошо поддавались шлифовке.

Расцвет искусства перегородчатой эмали в конце XIX в. был связан с именем знаменитого мастера Намикава Ясуюки. Из его мастерской выходили небольшие по размеру изделия, сплошь покрытые эмалями, нанесенными с ювелирной тщательностью. Изображения цветов, птиц, бабочек, драконов и фениксов, многочисленные виды традиционного орнамента находили место в сложно сплетенном кружеве узора.Применение золотой фольги создавало искристый мерцающий блеск полированной поверхности изделия.

Изготовление и украшение оружия имеет в Японии древние традиции. Меч рассматривался как священный предмет, подаренный богиней солнца Аматэрасу Омиками своему внуку, которого она послала править на земле и искоренять зло. Прямой с двусторонней заточкой меч (Кэн или Цуруги) стал принадлежностью синтоистского культа и вошел в число императорских регалий. В средние века меч стал символом сословия воинов, воплотившем могущество, храбрость, достоинство самурая.Считалось также, что в нем живут души умерших предков.

В VII в. была создана форма меча с легким изгибом на спинке лезвия односторонней заточки, которая дошла почти без изменений до XIX в. и получила название «нихонто» (японский меч). С XVI в. аристократы и представители воинского сословия обязаны были носить два меча: длинный – «катана» и короткий – «вакидзаси», который предназначался для совершения ритуального самоубийства.В случае нарушения кодекса чести ученым, ремесленникам и крестьянам по особому разрешению разрешалось носить только вакидзаси или меч без гарды «аикути». Длительный и трудоемкий процесс изготовления клинка обставлялся как торжественный ритуал, сопровождавшийся специальными молитвами, заклинаниями, облачением кузнеца в церемониальные одежды.

Клинок сваривали из нескольких полос, ковали не менее пяти раз, шлифовали и полировали.С конца XII в. клинки начали украшать бороздками, изображениями солнца, луны, звезд, драконов, написями-заклинаниями, выполненными гравированием и углубленным рельефом. Детали и оправа меча с XVI в. создавались особыми мастерами – оружейниками-ювелирами.

Клинок вставляли в рукоятку, основу которой составляли два деревянных бруска, скрепленных металлическим кольцом «фути» и наконечников «касира», рукоятку часто обертывали кожей акулы или ската, называвшейся «самэ» (акула). Существовало поверье, что такая рукоятка сохраняла ритуальную чистоту меча и оберегала владельца.К рукоятке с двух сторон крепились маленькие рельефные металлические детали «мэнуки», которые обеспечивали более прочный захват меча двумя руками.

Поверх этого рукоятку обматывали шнуром или тесьмой, создавая на поверхности плетеный узор. Важной деталью меча была «цуба» (гарда) – защитная пластика, отделяющая клинок от рукоятки, ножны малого меча часто были украшены тщательно отделанными металлическими пластинками «кодзука», которые представляли собой рукоятку маленького ножичка, вставленного в специальный карман в ножнах. В XVII-XIX вв. оружие, утратившее свою практическую ценность, превратилось в декоративное дополнение мужского костюма.

В его украшении применяли различные материалы и приемы ювелирной работы, ажурную резьбу, инкрустацию сплавами, разнообразные методы создания рельефных композиций, эмали и лак. Особую художественную завершенность приобрела цуба, которую стали рассматривать как самостоятельное произведение искусства.Сюжетами изображений выступали традиционные мотивы, характерные для других видов искусства: цветы, птицы, пейзажи, буддийские притчи, исторические предания даже оценки городского быта. Детали одного меча сочетались по стилю исполнения и нередко представляли собой развитие одного сюжета.

Среди оружейников, специализировавшихся на украшении мечей, особенно известной была основанная в XV в. школа гото, семнадцать поколений мастеров которой поддерживали ее славу в течение 400 лет.

Что будем делать с полученным материалом:

Если этот материал оказался полезным для Вас, Вы можете сохранить его на свою страничку в социальных сетях:

Еще рефераты, курсовые, дипломные работы на эту тему:

Декоративно-прикладное искусство допетровской России
Этотпереход был невозможен, однако, без решительного освобождения искусства отвлияния церкви, без внедрения в культуру светского начала, которое.. Как правило, деревянная скульптура была полихромной. Локальнаяроспись темперными красками сближала ее с иконой. Эта близость усугубляласьтем, что рельефы не выступали за..

Декоративно-прикладное искусство Западной Европы конца XVIII начала XIX века
Оба стиля характе¬ризуют время правления Наполеона Бонапарта. С 60-х годов XVIII в. французские мастера обратились к классицизму. В его формировании большую роль сыграли раскопки 1719 г. в Гер¬кулануме и 1748 г. в Помпеях.Классицизм (от лат..

Декоративно-прикладное искусство в Казахстане
Например, искусство изготовления седел, упряжи требует не только мастерства, но и умения применять различные материалы. Мастера по изготовлению седел не ограничивались лишь изготовлением седел и.. На развитие культуры казахского народа большое влияние оказали народы Южной Сибири, Средней Азии. Значительных высот..

Декоративно-прикладное искусство
Различны и традиции искусства отдельных промыслов. Почти все центры камнеобработки относительно молоды исторически. Некоторые из них сложились.. Пройдя через этапы поисков своего ассортимента, мастера комбината нашли свой.. Коричневый кальцит для изображения енота, золотисто-медовый селенит - для белочки или белый ангидрит - для полярного..

Декоративно-прикладное искусство, батик

Декоративно-прикладное искусство. Батик
Декоративно прикладное искусство от лат decoro украшаю раздел декоративного искусства охватывающий создание художественных изделий имеющих.. произведения декоративно прикладного искусства отвечают нескольким требованиям обладают эстетическим качеством..

Декоративно-прикладное искусство - народные промыслы
В декоративно-прикладном искусстве видное место занимают народные художественные промыслы. Искусство народных художественных промыслов предстает.. Одни берут свое начало в крестьянском бытовом искусстве, связанном с.. Например, многие виды гончарства, плотницкая резьба, набойка на тканях издавна были областью деятельности местных..

Декоративно-прикладное искусство
Но сталинский режим поспешил заменить гениев ремесла государственной монополией и тиранией дефицита. Все же художественное производство России.. На Урале и в Зауралье угро-финские племена, сначала из дерева и камня, а потом.. Эти традиции долго сохранялись в русском народном искусстве.Многие столетия, вплоть до 20-х годов 20 века..

Прикладное искусство "Батик"
Во - первых, знакомясь с древними цивилизациями, я открывала для себя удивительную культуру майя, представляющую собой огромный сплав природных.. Дошедшие до нас памятники древнего искусства о смысловом значении некоторых мы.. В современном искусстве мы наблюдаем стремление художников использовать такие же принципы в создании декоративных..

Молдавское прикладное искусство
Не случайно поэтому Молдавия, небольшая по площади республика является подлинным археологическим Эльдорадо, неисчерпаемой сокровищницей бесценных.. Собран поистине огромный материал, который помог воссоздать многие страницы.. Вообще находки кладов и монет нередки в Молдавии. Особенно известен Кугурештский клад, относящийся ко времени..

0.041